Peinture

Edgar Manuel Marcos exprime avec vérité et une grande sensibilité cette désespérance, passagère on l’espère, ou cette interrogation sur la vie et ses difficultés. Chaque figure, chaque attitude sont peintes dans la vérité en de longues touches, sans détails excessifs. La lumière baigne les visages à l’expression si naturelle. Exprimer autant qu’il est possible le monde intérieur, les incertitudes et interrogations, le déchirement parfois, sans emphase, c’est tout l’art de ce créateur. Une atmosphère de silence enveloppe ces jeunes femmes et hommes qui se livrent mais dans la discrétion.

Toujours à la frontière de l’imaginaire ou du rêve, Dimitri Buiron construit des tableaux solides à l’huile, réalisés à partir de dessins préparatoires ; il utilise également quelquefois la photographie. Son oeuvre évoque des visions fugaces, souvent étranges ou symboliques qui lui apparaissent et qu’il confie à la toile. Cependant, la réalité est également présente, témoin du quotidien : ainsi l’intérieur du métro et ses voyageurs si divers. Mais au-delà de cette réalité singulière, l’on est attiré par sa représentation toujours personnelle, symbolique.

Ilan Parienté aime traduire sa pensée, ses émotions, sa réflexion sur l’union entre l’être humain et la nature en travaillant sur des grands formats dans lesquels il se révèle fort à l’aise. Il évoque la terre soumise aujourd’hui plus que jamais aux aléas du climat mais également du travail des hommes. Il veut cependant demeurer optimiste comme en atteste son oeuvre d’apparence paisible. Ainsi évoque-t-il le remembrement si nécessaire par un énorme tronc d’arbre traité en premier plan comme un portrait qui impose sa présence et traduit la réflexion du peintre sur l’avenir.

Que veut exprimer Boud’One ? La folie de notre monde, tout ce qui nous préoccupe et nous déstabilise dans un foisonnement de détails où apparaissent personnages hybrides, oiseaux gracieux, chimères dans la subtilité de l’écriture. Une manière poétique de s’indigner de tous les dérèglements. Cette figuration libre se réfère souvent comme le souligne l’artiste, à des périodes anciennes : l’art gothique ou flamand autant qu’à des artistes modernes.

Ici, tout est trait en noir et blanc ou discrètement coloré, le regard s’habitue peu à peu à ce flot de lignes dynamiques nourries de signes inconnus nés de l’imaginaire d’Alain Carpentier. Qu’évoque-t-il, sinon la vie et ses tourments : la guerre et ses destructions ou, plus sereinement, la mer et des bancs de poissons qui, par un tracé dynamique, animent la surface. Mais c’est aussi un voyage en Afrique avec de magnifiques totems et leurs dessins réalisés en des traits ondulants traités dans des bleus doux qui se détachent de fonds sombres.

Proches, ils font partager leur univers familier dans sa réalité qui pourrait évoquer la photographie dans la précision du réel mais où le regard de l’artiste est primordial. Lucile Piketty peint en particulier des jeunes femmes seules ou en conversation, d’un grand naturel, insouciantes ou songeuses. Chaque expression, chaque détail vestimentaire ou de l’environnement est saisi, loin de quelque minutie mais dans la précision du geste qui demeure libre.

Les mythes et légendes intéressent passionnément Francisco Sepulveda. Né à Santiago du Chili où il a effectué des études de gravure et de peinture, il a ensuite voyagé à travers le monde, découvert d’autres cultures qui nourrissent, avec ses souvenirs d’Amérique du Sud, sa création dans laquelle l’onirisme le dispute à la poésie. La finesse, l’élégance du dessin simplifié où la courbe s’avère très présente, agrémenté de points et croix, et une palette souvent joyeuse attirent l’oeil. Les rêves et les peurs sont ici transformés en poèmes avec leur mystère.

En solitaire, il a accompli de longues marches dans les plaines, pâturages, bords de mer, loin de toute vie humaine. En tête à tête avec ces lieux, il tente de les rendre plus proches, de traduire leur particularité et parfois la désolation qui les atteint : « Incendie au Portugal » ou la vision d’une culture intensive qui ruine le sol. Que deviendront les arbres ? L’artiste souhaite en perpétuer le souvenir tel ce somptueux vieux chêne aux branches touffues, protectrices. Il excelle à faire ressentir cette nature solitaire qui, dans le futur, pourrait être dévastée.

Doués d’une incroyable présence, sculpturaux, ils vivent sur la toile, exerçant leur métier. Camille d’Alençon, après les avoir observés, a capté des instants fugitifs du travail d’un livreur, d’un mécano, d’un éboueur avec une exceptionnelle vérité. De ses études, entre autres de sculpture appliquée à l’Ecole des Arts Décoratifs, demeure dans sa peinture, medium qu’elle a adopté, un goût pour le volume qui permet cette si forte présence.

Entre figuration très allusive et abstraction, Marie-Claire Pinardel invite dans son univers singulier. Elle travaille le plus souvent par série afin d’approfondir sa réflexion sur le thème choisi. Libre et créative est cette oeuvre aux couleurs vives, saturées qui trouvent leur plénitude dans la lumière. Une peinture qui fait appel à la mémoire, au souvenir et c’est ainsi que surgissent, après une observation attentive de ces grands formats verticaux, des traces du vivant, de nature, réinterprétées en des jeux de formes qui s’engendrent dans les vibrations de la palette.